영화의 기본 26. 사운드 이론 ①: 다이제틱·논다이제틱 사운드와 음향 몽타주

시각 중심 예술에서 사운드의 혁명적 등장

영화는 탄생 초기부터 시각 중심 예술로 인식되었다. 루미에르 형제의 첫 상영회에서 관객들이 열차가 다가오는 모습에 놀라 뛰쳐나갔다는 일화에서도 알 수 있듯, 초기 영화의 충격과 매력은 움직이는 이미지의 시각적 힘에 있었다. 그러나 1927년 '재즈 싱어'의 등장으로 시작된 유성영화(Talkie)의 시대는 영화라는 매체의 본질과 가능성을 근본적으로 변화시켰다. 사운드의 도입은 단순한 기술적 발전이 아니라, 영화의 미학, 내러티브, 제작 방식, 그리고 관객 경험을 총체적으로 재구성한 혁명적 사건이었다.

사운드가 영화의 필수적 요소로 자리 잡은 지 거의 한 세기가 지났지만, 영화 이론과 비평에서 사운드는 여전히 이미지에 비해 상대적으로 소외된 위치에 있다. 미셸 시옹이 '보이는 사운드, 들리는 영상'에서 지적했듯, 영화 사운드는 종종 '보이지 않는' 요소로서 그 복잡성과 중요성이 간과되어 왔다. 그러나 최근 수십 년간 영화 사운드에 대한 이론적·실천적 관심이 크게 증가하면서, 사운드가 어떻게 영화 경험의 핵심적 차원을 구성하는지에 대한 보다 심층적인 이해가 발전하고 있다.

이 글에서는 영화 사운드의 기본 개념과 이론적 틀을 살펴보면서, 특히 다이제틱(diegetic)과 논다이제틱(non-diegetic) 사운드의 구분, 음향 몽타주, 공간화, 청각적 지속성 등 영화 사운드의 핵심적 측면들을 분석한다. 또한 사운드가 영화 내러티브와 관객 경험에 미치는 복합적 영향을 다양한 영화 사례를 통해 탐구한다.

영화 사운드의 역사적 발전과 이론적 논쟁

영화 사운드의 역사는 단순한 기술적 발전사가 아니라, 새로운 표현 가능성을 둘러싼 열띤 미학적·이론적 논쟁의 역사이기도 하다. 사운드의 도입은 영화 매체의 본질에 대한 근본적인 질문을 제기했고, 이는 다양한 이론적 입장과 실천적 접근을 발전시키는 계기가 되었다.

무성에서 유성으로: 사운드 혁명의 미학적 논쟁

1920년대 말 사운드 영화의 도입은 영화계 내에서 상반된 반응을 불러일으켰다. 찰리 채플린을 비롯한 많은 무성영화 감독들은 사운드가 영화의 본질적 시각성과 보편적 이해 가능성을 약화시킬 것이라 우려했다. 특히 에이젠슈타인, 푸도프킨, 알렉산드로프 등 소비에트 몽타주 이론가들은 1928년 '소리에 관한 성명'에서 대사 중심의 사운드 사용이 영화를 '사진 찍은 연극'으로 퇴화시킬 위험성을 경고하면서도, 이미지와 사운드 간의 '대위법적'(contrapuntal) 관계를 통한 새로운 몽타주 가능성을 주장했다.

반면 르네 클레르, 장 르누아르 등 프랑스 영화인들은 보다 열린 태도로 사운드의 가능성을 탐구했다. 특히 르누아르는 초기작 '뵝슈의 밤'(1932)에서부터 사운드를 창의적으로 활용하며 영화적 리얼리즘의 새로운 차원을 개척했다. 할리우드에서는 어니스트 루비치, 루이스 마일스톤 등이 대사와 음향, 음악을 세련되게 통합한 초기 유성영화의 미학을 발전시켰다.

사운드 이론의 발전: 침묵에서 음향학으로

초기 영화 이론에서 사운드는 상대적으로 주변적 위치에 있었다. 앙드레 바쟁의 리얼리즘 이론, 크리스티앙 메츠의 영화 기호학 등 영향력 있는 이론적 틀에서도 사운드에 대한 체계적 분석은 제한적이었다. 그러나 1970년대부터 영화 사운드에 대한 이론적 관심이 크게 증가하기 시작했다.

특히 프랑스 이론가 미셸 시옹의 연구는 영화 사운드 이론의 발전에 결정적 기여를 했다. 그의 저서 '영화의 목소리'(1982), '오디오-비전'(1990) 등은 사운드와 이미지의 복합적 관계, 사운드의 내러티브적·감정적 기능, 영화 사운드의 기술적·미학적 차원을 종합적으로 분석했다. 시옹은 영화에서 소리와 이미지가 서로 독립적이면서도 상호 영향을 주고받는 '오디오-비전'이라는 통합적 개념을 제안했다.

리모스 루세와 클라우디아 고르비츠는 '영화에서의 귀'(1976)에서 영화 관람 경험의 청각적 차원을 강조하면서, 사운드가 관객의 신체적·감정적 반응에 미치는 영향을 분석했다. 1990년대 이후 릭 알트만, 지안 모르바, 앤 밀러 등 영화 사운드 이론가들은 사운드가 영화 내러티브, 공간, 시간, 관객성을 구성하는 복합적 방식을 탐구하며 영화 사운드 연구의 지평을 확장했다.

디지털 혁명과 현대 영화 사운드

1990년대 이후 디지털 기술의 발전은 영화 사운드 제작과 재현에 혁명적 변화를 가져왔다. 돌비 디지털, DTS 등 디지털 서라운드 사운드 시스템의 발전, 컴퓨터 기반 사운드 편집·믹싱 기술, 극장 음향 시스템의 개선 등은 영화 사운드의 표현적 가능성을 크게 확장했다.

벤 버트, 월터 머치, 랜디 톰, 스카이워커 사운드 등 현대 사운드 디자이너들은 영화 사운드의 창의적 가능성을 새로운 차원으로 발전시켰다. 특히 '지옥의 묵시록'(1979), '스타워즈' 시리즈, '블레이드 러너'(1982) 등은 사운드 디자인의 혁신적 작품으로 평가받는다. 크리스토퍼 놀란의 '덩케르크'(2017), 데니 빌뇌브의 '메신저'(2016)와 '듄'(2021) 등 최근 작품들은 이미지와 사운드의 긴밀한 통합을 통해 보다 몰입적이고 복합적인 감각 경험을 구현한다.

다이제틱과 논다이제틱 사운드: 영화 공간과 소리의 관계

영화 사운드 이론의 가장 기본적인 개념적 틀 중 하나는 다이제틱(diegetic)과 논다이제틱(non-diegetic) 사운드의 구분이다. 이 구분은 영화 속 사운드와 이야기 세계(diegesis) 간의 관계를 이해하는 핵심적 개념이다.

다이제틱 사운드: 이야기 세계 내부의 소리

다이제틱 사운드는 영화의 이야기 세계 내에서 발생하는 모든 소리를 말한다. 즉, 영화 속 캐릭터들이 들을 수 있는 소리들이다. 이는 다시 온스크린(on-screen) 사운드와 오프스크린(off-screen) 사운드로 나눌 수 있다.

온스크린 사운드는 화면에 보이는 소리의 원천에서 발생하는 소리다. 캐릭터의 대화, 보이는 물체가 내는 소음, 화면 안의 악기나 라디오에서 나오는 음악 등이 여기 포함된다. 예를 들어, '위플래쉬'(2014)에서 드럼을 치는 앤드류의 연주 소리, '노마드랜드'(2020)에서 펀이 운전하는 밴의 엔진 소리 등이 온스크린 다이제틱 사운드다.

오프스크린 사운드는 이야기 세계 내에 존재하지만 화면에는 보이지 않는 소리다. 화면 밖에서 들려오는 대화, 다른 방에서 나는 소음, 시야 밖의 사건에서 발생하는 소리 등이 여기 해당한다. 히치콕의 '새'(1963)에서 주인공이 학교 건물 밖에서 새들의 공격을 기다리는 동안 들리는 아이들의 노래 소리, 코펠라의 '대화'(1974)에서 주인공이 들으며 불안해하는 빌딩 안의 수상한 소리들이 오프스크린 다이제틱 사운드의 효과적 활용 사례다.

다이제틱 사운드는 영화의 시공간적 리얼리즘을 강화하고, 관객이 이야기 세계에 몰입하게 만드는 중요한 역할을 한다. 동시에 오프스크린 사운드는 보이지 않는 영화 공간을 암시하고 확장함으로써, 화면의 물리적 한계를 넘어선 영화적 공간 경험을 가능하게 한다.

논다이제틱 사운드: 이야기 세계 외부의 소리

논다이제틱 사운드는 영화의 이야기 세계 밖에서 추가된 소리로, 영화 속 캐릭터들은 들을 수 없는 소리다. 가장 대표적인 논다이제틱 사운드는 배경 음악(스코어)이지만, 내레이터의 목소리, 특수 음향 효과 등도 포함된다.

**배경 음악(스코어)**은 캐릭터들이 들을 수 없지만 관객의 감정적 반응을 유도하고 내러티브의 분위기를 조성하는 음악이다. 존 윌리엄스의 '스타워즈' 테마, 한스 짐머의 '인터스텔라'(2014) 스코어, 버나드 허먼의 '사이코'(1960) 바이올린 주제 등이 강력한 논다이제틱 음악의 예다. 이러한 음악은 장면의 정서적 색채를 부여하고, 내러티브의 흐름과 리듬을 강화하며, 중요한 순간을 강조하는 역할을 한다.

내레이터의 목소리는 일반적으로 논다이제틱 사운드로, 이야기 세계 외부에서 사건과 인물을 설명하고 해석한다. 테렌스 맬릭의 '씬 레드 라인'(1998)에서 여러 캐릭터의 내적 독백, 마틴 스콜세지의 '아이리시맨'(2019)에서 프랭크 시런의 회상적 내레이션 등이 중요한 내레이션 사례다. 이러한 목소리는 캐릭터의 내면 세계를 드러내고, 내러티브에 주관적 관점과 해석의 층위를 추가한다.

특수 음향 효과는 종종 이야기 세계의 물리적 법칙을 넘어서는 초자연적이거나 추상적인 소리들로, 특정한 정서적·상징적 효과를 위해 사용된다. 데이비드 린치 영화의 불길하고 초현실적인 음향, 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'(2010)에서 시간의 왜곡을 표현하는 음향 효과 등이 여기 해당한다.

논다이제틱 사운드는 영화의 이야기 세계에 해석과 정서의 층위를 추가하고, 관객의 감정적 반응을 유도하며, 내러티브의 상징적·주제적 차원을 강화하는 중요한 수단이다.

경계 허물기: 애매한 사운드와 영화적 실험

다이제틱과 논다이제틱의 이분법은 영화 사운드를 이해하는 유용한 출발점이지만, 많은 영화들은 이 경계를 의도적으로 모호하게 만들거나 가로지르면서 흥미로운 미학적 효과를 창출한다.

메타-다이제틱 사운드(meta-diegetic sound)는 특정 캐릭터의 주관적 인식이나 정신 상태를 표현하는 소리로, 객관적 현실과 주관적 경험 사이의 경계에 위치한다. 로버트 알트만의 '세 여인'(1977)에서 주인공의 정신적 붕괴를 표현하는 왜곡된 사운드, 마틴 스콜세지의 '택시 드라이버'(1976)에서 트래비스의 소외감을 강조하는 음향 처리 등이 메타-다이제틱 사운드의 예다.

다이제틱 전환(diegetic transfer)은 논다이제틱 사운드가 다이제틱 사운드로, 또는 그 반대로 변환되는 기법이다. 예를 들어, 논다이제틱 배경 음악이 영화 속 라디오나 연주자를 통해 다이제틱 음악으로 변환되는 경우다. 장 뤽 고다르의 '주말'(1967), 스탠리 큐브릭의 '시계태엽 오렌지'(1971) 등은 이러한 전환을 창의적으로 활용한 작품들이다.

온토로지컬 애매함(ontological ambiguity)은 특정 사운드가 다이제틱인지 논다이제틱인지 의도적으로 불분명하게 만드는 전략이다. 데이비드 린치의 '멀홀랜드 드라이브'(2001)와 '인랜드 엠파이어'(2006)는 사운드의 존재론적 위치를 지속적으로 불안정하게 만들면서, 영화의 현실과 환상, 객관과 주관의 경계를 해체한다.

이러한 경계 허물기는 단순한 실험이 아니라, 영화 매체의 독특한 표현 가능성을 확장하고, 관객의 인식과 해석에 도전하는 중요한 미학적 전략이다. 특히 현대 영화에서는 이러한 사운드의 경계 가로지르기가 더욱 정교하고 다양한 형태로 발전하고 있다.

음향 몽타주와 사운드 디자인: 소리의 구성과 배열

영화에서 사운드는 단순히 현실을 재현하는 것이 아니라, 선택, 배열, 조작을 통해 의미와 정서를 창출하는 표현적 요소다. 음향 몽타주(sound montage)와 사운드 디자인은 이러한 사운드의 창의적 구성 방식을 이해하는 핵심 개념이다.

음향 몽타주: 소리의 충돌과 결합

음향 몽타주는 이미지 몽타주의 원리를 사운드에 적용한 개념으로, 서로 다른 소리 요소들의 병치, 중첩, 대조를 통해 의미를 생성하는 방식을 말한다. 에이젠슈타인과 푸도프킨 등 소비에트 이론가들이 초기에 제안한 이 개념은 현대 영화 사운드의 기본 원리가 되었다.

병치와 대조: 서로 다른 성격의 소리들을 병치하거나 대조시킴으로써 새로운 의미나 감정적 효과를 창출한다. 장 뤽 고다르의 '주말'에서 교통 체증의 혼란스러운 소음과 갑작스러운 침묵의 대비, 프랜시스 포드 코펠라의 '지옥의 묵시록'에서 헬리콥터 소리와 도어스의 음악 'The End'의 결합은 강력한 음향 몽타주의 예다.

중첩과 밀도: 여러 층위의 소리를 중첩시켜 복합적인 음향 텍스처를 만드는 기법이다. 로버트 알트만의 '내슈빌'(1975)은 여러 인물의 대화, 음악 공연, 배경 소음 등을 중첩시켜 미국 사회의 다성적 초상을 그린다. 크리스토퍼 놀란의 '덩케르크'는 틱토크 사운드, 총성, 폭발음, 한스 짐머의 불안한 스코어를 중첩시켜 전쟁의 긴박함과 공포를 강화한다.

리듬과 템포: 소리의 배열과 반복을 통해 특정한 리듬과 템포를 만들어내는 방식이다. 에드가 라이트의 '베이비 드라이버'(2017)는 음악, 차량 소음, 총성 등이 동기화된 리듬적 사운드 몽타주를 통해 액션 장면의 역동성을 강화한다. 다렌 아로노프스키의 '블랙 스완'(2010)은 발레 음악과 신체 소리의 리듬적 관계를 통해 주인공의 심리적 붕괴를 표현한다.

음향 몽타주는 단순한 기술적 조작이 아니라, 서사, 테마, 감정을 전달하는 표현적 수단이다. 특히 디지털 기술의 발전으로 소리의 녹음, 조작, 혼합 가능성이 크게 확장되면서, 현대 영화의 음향 몽타주는 더욱 정교하고 복합적인 형태로 발전하고 있다.

사운드 디자인: 의도적 소리 창조

'사운드 디자인'이라는 용어는 월터 머치가 '지옥의 묵시록' 작업 과정에서 처음 도입한 것으로, 영화의 전체적인 음향 개념을 계획하고 실현하는 창의적 과정을 가리킨다. 현대 영화에서 사운드 디자인은 단순한 기술적 업무를 넘어, 영화의 내러티브, 테마, 미학을 구성하는 핵심적 창작 영역으로 인정받고 있다.

음향 세계 구축: 각 영화는 고유한 음향적 세계, 즉 '사운드스케이프'(soundscape)를 가진다. 사운드 디자이너는 특정한 소리 요소들의 선택과 처리를 통해 이 세계의 성격과 분위기를 정의한다. 리들리 스콧의 '블레이드 러너'에서 벤 버트가 창조한 디스토피아 미래 도시의 음향 풍경, 월터 머치가 디자인한 '지옥의 묵시록'의 베트남 정글 사운드는 영화의 세계관을 정의하는 결정적 요소다.

캐릭터와 공간의 음향적 정체성: 사운드 디자인은 캐릭터와 공간에 고유한 음향적 정체성을 부여한다. '스타워즈'의 다스 베이더와 연결된 호흡 소리, '매트릭스'(1999)의 에이전트와 연관된 디지털 왜곡음은 캐릭터의 본질을 음향적으로 표현한다. 데니 빌뇌브의 '메신저'에서 외계 생명체 '헵타포드'와 연관된 신비로운 사운드, '듄'의 사막 행성 아라키스의 바람과 모래 소리는 공간의 특성과 분위기를 정의한다.

음향적 주제 발전: 시각적 모티프처럼, 사운드 디자인은 종종 영화 전체에 걸쳐 발전하는 음향적 주제나 모티프를 포함한다. 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'에서 한스 짐머의 음악과 통합된 '브람' 사운드, 데이비드 피처의 '세븐'(1995)에서 점차 강화되는 도시의 불길한 소음은 영화의 내러티브 아크와 함께 발전하는 음향적 주제다.

현대 영화에서 뛰어난 사운드 디자인은 단순히 이미지를 보조하는 것이 아니라, 영화 경험의 본질적 차원을 구성한다. 특히 '그래비티'(2013), '매드 맥스: 분노의 도로'(2015), '사운드 오브 메탈'(2019) 등의 작품은 사운드 디자인이 내러티브와 캐릭터 발전의 핵심적 수단이 된 사례들이다.

영화 사운드와 공간: 청각적 원근법과 공간화

영화 사운드는 단순히 시간적 차원뿐만 아니라, 복잡한 공간적 차원도 가지고 있다. 영화 공간의 구성과 인식에서 사운드가 수행하는 역할은 종종 간과되지만, 현대 영화 이론과 실천에서 사운드의 공간적 기능에 대한 관심이 크게 증가하고 있다.

청각적 원근법: 소리의 깊이와 위치

청각적 원근법(acoustic perspective)은 소리의 거리, 방향, 위치를 통해 3차원적 공간감을 창출하는 방식을 말한다. 시각적 원근법이 2차원 스크린에 깊이 환상을 만들어내듯, 청각적 원근법은 스피커를 통해 입체적 공간 경험을 구현한다.

거리와 깊이: 소리의 볼륨, 명료도, 잔향 등을 조절하여 소리 원천의 거리감을 표현한다. 알프레드 히치콕의 '이창'(1954)은 아파트 창문을 통해 들리는 다양한 거리의 소리들을 통해 복잡한 청각적 공간을 구축한다. 로버트 브레송의 '소매치기'(1959)는 발자국 소리의 거리와 명료도를 정교하게 통제하여 긴장감을 조성한다.

방향과 위치: 특히 서라운드 사운드 시스템의 발전으로, 소리의 방향성과 공간적 위치가 보다 정교하게 표현 가능해졌다. 알폰소 쿠아론의 '그래비티'는 우주의 무중력 환경에서 소리의 전달 방식을 음향적으로 재구성하며, 캐릭터의 위치와 움직임에 따라 사운드가 360도로 이동한다. 크리스토퍼 놀란의 '덩케르크'는 적기의 접근을 알리는 사운드가 다양한 각도에서 들려오도록 설계하여 전쟁의 공포를 강화한다.

음향적 텍스처: 소리의 밀도, 질감, 명료도 등을 통해 공간의 물리적 특성을 표현한다. 안드레이 타르코프스키의 '스토커'(1979)는 다양한 공간(도시, '존', 터널 등)마다 고유한 음향적 텍스처를 부여하여 각 공간의 상징적 의미를 강화한다. 데이비드 핀처의 '세븐'은 끊임없는 빗소리와 도시 소음의 텍스처를 통해 불길하고 억압적인 도시 공간을 창출한다.

청각적 원근법은 단순한 기술적 효과가 아니라, 영화 공간의 인식과 해석에 영향을 미치는 중요한 내러티브·미학적 도구다. 특히 현대 영화에서는 점점 더 정교하고 복합적인 청각적 원근법이 발전하면서, 관객의 공간 경험을 더욱 풍부하고 몰입적으로 구성하고 있다.

공간적 확장과 제한: 오프스크린 사운드의 활용

오프스크린 사운드는 영화 프레임 너머의 공간을 암시하고 확장하는 강력한 도구다. 이를 통해 감독은 화면의 물리적 한계를 넘어 보다 넓고 복합적인 영화 공간을 구축할 수 있다.

공간 확장: 오프스크린 사운드는 프레임 밖의 공간적 연속성을 암시한다. 로버트 브레송의 영화들은 종종 오프스크린 발자국 소리, 문 닫히는 소리, 거리의 소음 등을 통해 프레임을 넘어선 세계의 존재를 암시한다. 자크 타티의 '플레이타임'(1967)은 복잡한 오프스크린 사운드를 통해 현대 도시 공간의 확장성과 혼란을 표현한다.

공간적 긴장과 불안: 보이지 않는 소리의 원천은 종종 불안과 긴장의 원천이 된다. 호러와 스릴러 영화는 이러한 효과를 자주 활용한다. 제임스 완의 '인시디어스'(2010)는 오프스크린 소리를 통해 보이지 않는 위협의 존재를 암시한다. 알렉스 가랜드의 '애널리해션'(2018)은 정체불명의 오프스크린 동물 소리로 '심빌라이즈' 지역의 이질적 특성을 강화한다.

심리적·주관적 공간: 오프스크린 사운드는 종종 캐릭터의 심리적 상태나 주관적 인식을 표현한다. 폴 토마스 앤더슨의 '마스터'(2012)에서 프레디가 듣는 환청과 같은 소리들, 에이바 듀버네이의 '셀마'(2014)에서 마틴 루터 킹의 내면적 갈등을 표현하는 오프스크린 목소리들이 이러한 사례다.

오프스크린 사운드의 전략적 활용은 영화의 공간적 표현을 풍부하게 만들고, 관객의 상상력과 해석 참여를 촉진한다. 또한 제한된 예산이나 기술적 여건 속에서도 복잡한 영화 세계를 구축할 수 있는 효과적인 수단이기도 하다.

음향적 공간과 장소성: 사운드스케이프 이론의 적용

캐나다 작곡가이자 음향 생태학자 R. 머레이 셰이퍼가 발전시킨 '사운드스케이프'(soundscape) 개념은 영화 사운드의 공간적 차원을 이해하는 데 유용한 틀을 제공한다. 사운드스케이프는 특정 환경이나 장소의 고유한 음향적 특성을 가리키는 개념으로, 영화에서는 특정 장소나 시대의 음향적 정체성을 구축하는 방식을 분석하는 데 적용된다.

장소의 음향적 정체성: 각 장소는 고유한 음향적 특징을 가진다. 우디 앨런의 '미드나잇 인 파리'(2011)는 현대와 과거 파리의 서로 다른 사운드스케이프를 통해 각 시대의 분위기를 표현한다. 웡 카와이의 '화양연화'(2000)는 1960년대 홍콩의 밀집된 아파트 단지의 독특한 사운드스케이프(이웃의 대화, 라디오 음악, 요리 소리 등)를 통해 공동체적 친밀감과 고립감을 동시에 표현한다.

키노트, 사운드마크, 사운드 시그널: 셰이퍼의 분류에 따르면, 사운드스케이프는 배경 소리(키노트), 특정 장소의 상징적 소리(사운드마크), 주의를 끄는 전경 소리(사운드 시그널)로 구성된다. 고레에다 히로카즈의 '바닷마을 다이어리'(2015)에서 바다 소리와 파도는 키노트로, 특정 사찰의 종소리는 사운드마크로, 경적이나 알림음은 사운드 시그널로 기능하며 일본 해안 마을의 풍부한 사운드스케이프를 구축한다.

하이파이와 로파이 사운드스케이프: 셰이퍼는 소리의 명료도와 신호 대 소음 비율에 따라 사운드스케이프를 하이파이(hi-fi, 소리들이 명확히 구분되는 환경)와 로파이(lo-fi, 소리들이 혼잡하게 뒤섞인 환경)로 구분한다. 짐 자무시의 '패터슨'(2016)은 주인공이 시를 쓰는 고요한 하이파이 순간과 도시의 혼잡한 로파이 환경 사이의 대비를 통해 내적 성찰과 외부 세계의 관계를 탐구한다.

사운드스케이프 이론의 적용은 영화 속 공간과 장소가 단순한 시각적 배경이 아니라, 복잡한 감각적·문화적 의미를 가진 살아있는 환경임을 이해하는 데 도움을 준다. 특히 환경 다큐멘터리, 민족지 영화, 장소 중심 내러티브 등에서 사운드스케이프는 중요한 표현적·내러티브적 차원으로 기능한다.

청각적 지속성과 시간성: 사운드와 영화적 시간

영화 사운드는 공간적 차원뿐만 아니라, 시간적 차원에서도 중요한 역할을 한다. 사운드는 영화의 시간적 구조, 리듬, 연속성을 구성하는 핵심 요소로, 가시적인 편집 너머의 청각적 연속성을 통해 영화 경험의 시간적 차원을 형성한다.

청각적 연속성: 소리를 통한 시간적 흐름

시각적 편집이 종종 시간과 공간을 분절하고 재구성하는 반면, 사운드는 이러한 분절을 매끄럽게 연결하고 시간적 연속성을 유지하는 역할을 한다. 이러한 청각적 연속성(aural continuity)은 영화 시간의 인식과 경험에 중요한 영향을 미친다.

사운드 브리지: 한 장면에서 시작된 사운드가 다음 장면까지 이어지는 기법으로, 시각적 단절에도 불구하고 청각적 연속성을 유지한다. 테렌스 맬릭의 '씬 레드 라인'에서 자연 소리(새, 바람, 물 등)는 종종 장면 전환을 넘어 지속되며, 시간과 공간을 초월한 자연의 영속성을 암시한다. 소피아 코폴라의 '로스트 인 트랜슬레이션'(2003)은 도쿄의 도시 소음이 다양한 장면을 연결하며 주인공의 지속적인 소외감을 강화한다.

청각적 오버랩: 다음 장면의 사운드가 현재 장면에서 미리 들리기 시작하는 기법으로, 시간적 전이와 인과관계를 암시한다. 장 피에르 & 뤼크 다르덴의 '로제타'(1999)는 종종 다음 장면의 소음이나 대화가 현재 장면에서 먼저 들리게 함으로써, 주인공의 불안정한 삶의 예측 불가능성을 표현한다.

리듬과 템포: 사운드의 리듬과 템포는 영화의 시간적 경험을 구조화한다. 에드가 라이트의 '베이비 드라이버'는 음악의 리듬에 맞춰 영상이 편집되면서, 청각적 리듬이 영화의 시간적 구조를 결정한다. 크리스토퍼 놀란의 '덩케르크'는 시계 소리와 한스 짐머의 스코어가 만들어내는 지속적인 리듬감을 통해 긴박한 시간 경험을 창출한다.

청각적 연속성은 영화의 시간적 흐름을 조절하고, 장면 간 전환을 부드럽게 하며, 내러티브의 인과관계와 연결성을 강화하는 중요한 도구다. 특히 비선형적 내러티브나 복잡한 시간 구조를 가진 영화에서, 사운드는 종종 시간적 일관성과 연속성을 유지하는 앵커 역할을 한다.

시간적 깊이와 중첩: 사운드를 통한 시간 조작

영화 사운드는 단순한 현재적 흐름을 넘어, 과거와 미래, 현실과 기억, 객관적 시간과 주관적 시간 등 다양한 시간적 차원을 중첩시키고 교차시킬 수 있다. 이러한 시간적 깊이와 중첩은 영화 내러티브의 시간적 복잡성을 풍부하게 한다.

기억과 회상: 사운드는 종종 과거의 기억이나 회상을 환기하는 매개체로 기능한다. 알랭 레네의 '히로시마 내 사랑'(1959)은 현재 대화와 과거 기억의 소리가 중첩되면서, 역사적 트라우마와 개인적 기억의 복잡한 층위를 표현한다. 왕가위의 '2046'(2004)은 과거와 미래의 다양한 시간대의 사운드가 중첩되면서, 시간의 주관적 경험과 기억의 가변성을 탐구한다.

예견과 암시: 사운드는 때로 미래 사건을 암시하거나 예견하는 기능을 한다. 미셸 혼다의 '엘리펀트'(2003)은 총성이 실제 총기 난사 장면보다 훨씬 일찍부터 간헐적으로 들리면서, 다가올 폭력을 불길하게 암시한다. 다렌 아로노프스키의 '블랙 스완'은 날개 펄럭임 소리가 주인공의 변신 전부터 간간이 들리면서, 그녀의 심리적 변화를 예고한다.

시간 왜곡과 주관화: 사운드는 종종 시간의 주관적 경험이나 왜곡을 표현하는 수단이 된다. 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'은 시간의 상대성을 표현하기 위해 음악의 템포를 조절하고 늘이는 기법을 사용한다. 클린트 맨셀의 '파이'(1998) 스코어는 주인공의 편두통 발작에 따라 시간 경험이 왜곡되는 것을 표현한다.

이러한 시간적 깊이와 중첩은 단순한 선형적 시간관을 넘어, 영화가 다양한 시간적 차원을 동시에 표현할 수 있는 가능성을 확장한다. 특히 기억, 트라우마, 환상, 주관적 경험 등을 다루는 영화에서, 사운드는 복잡한 시간적 층위를 구현하는 핵심적 표현 수단이 된다.

지속과 변화: 사운드 모티프와 시간 발전

영화에서 특정 사운드 요소나 모티프는 반복과 변주를 통해 내러티브의 시간적 발전과 캐릭터의 변화를 표현하는 중요한 수단이 된다. 이러한 청각적 모티프의 발전은 영화의 시간적 구조와 주제적 발전을 청각적으로 구현한다.

사운드 모티프의 반복과 변주: 특정 사운드나 음악적 주제가 영화 전체에 걸쳐 반복되면서, 맥락에 따라 의미가 변화하고 발전한다. 스탠리 큐브릭의 '2001: 스페이스 오디세이'(1968)에서 리하르트 슈트라우스의 '차라투스트라는 이렇게 말했다'가 인류의 진화적 도약 순간마다 반복되면서 영화의 우주적 시간성을 강조한다. 폴 토마스 앤더슨의 '데어 윌 비 블러드'(2007)에서 조니 그린우드의 불협화음적 스코어는 주인공의 도덕적 타락과 함께 점점 더 불안하고 왜곡된 형태로 발전한다.

청각적 북마크: 특정 사운드는 종종 내러티브의 중요한 순간을 표시하고, 시간적 참조점 역할을 한다. 크리스토퍼 놀란의 '메멘토'(2000)는 특정 소리(유리 깨지는 소리, 총성 등)를 사용해 시간적으로 분절된 내러티브의 핵심 순간들을 연결한다. 에릭 로메르의 '여름 이야기'(1996)는 특정 자연 소리(파도, 바람 등)를 통해 주인공의 감정적 변화 순간들을 표시한다.

사운드를 통한 캐릭터 발전: 캐릭터와 연관된 소리의 변화는 종종 그들의 내적 발전이나 변화를 표현한다. 브래드 버드의 '레미의 맛있는 레스토랑'(2007)에서 주인공 레미와 연관된 요리 소리는 그의 요리 기술 발전에 따라 점점 더 정교하고 자신감 있게 변한다. 폴 토마스 앤더슨의 '펀치-드렁크 러브'(2002)에서 주인공 배리와 연관된 불안한 타악기 소리는 그가 사랑에 빠지면서 점차 조화로운 음악으로 변한다.

이러한 사운드 모티프의 시간적 발전은 내러티브의 구조적 통일성을 강화하고, 캐릭터와 주제의 발전을 청각적 차원에서 구현하며, 관객이 영화의 시간적 흐름과 변화를 인식하는 데 중요한 지표 역할을 한다.

사운드와 내러티브: 청각적 스토리텔링의 전략

영화 사운드는 단순한 장식이나 보조적 요소가 아니라, 내러티브 구성과 전개의 핵심적 수단이다. 사운드는 정보 전달, 감정 유발, 주제 강화, 상징적 의미 창출 등 다양한 내러티브적 기능을 수행하며, 이미지와 함께 영화 스토리텔링의 핵심 축을 형성한다.

내러티브 정보와 맥락: 소리를 통한 이야기 전달

사운드는 영화 내러티브의 중요한 정보와 맥락을 전달하는 효율적인 수단이다. 대사, 음향 효과, 환경음 등은 스토리 전개에 필요한 정보를 제공하고, 내러티브 상황의 이해를 돕는다.

노출과 배경 설명: 사운드는 종종 캐릭터, 설정, 상황에 대한 기본 정보를 효율적으로 제공한다. 라디오, TV, 공공 안내 방송 등은 자주 배경 정보를 전달하는 장치로 활용된다. 프랜시스 포드 코펠라의 '대화'(1974)는 도청 녹음을 통해 점진적으로 내러티브 정보를 드러낸다. 봉준호의 '기생충'(2019)은 가족 구성원들의 대화를 통해 그들의 사회적 상황과 계획을 관객에게 효과적으로 전달한다.

환경과 상황 설정: 환경음과 주변 소리는 장면의 시간, 장소, 사회적 맥락을 즉각적으로 확립한다. 조지 루카스의 '아메리칸 그래피티'(1973)는 라디오에서 흘러나오는 1960년대 음악을 통해 시대적 배경을 확립한다. 마틴 스콜세지의 '아이리시맨'(2019)는 각 시대의 특징적인 배경음(뉴스 방송, 유행 음악, 자동차 소리 등)을 통해 변화하는 역사적 맥락을 표현한다.

인과 관계와 진행 상황: 사운드는 종종 사건의 인과 관계와 내러티브 진행 상황을 알려준다. 멀리서 들려오는 사이렌 소리, 점차 커지는 발자국 소리, 시계 초침 소리 등은 다가오는 사건이나 위험을 암시한다. 스티븐 스필버그의 '죠스'(1975)에서 상어의 접근을 알리는 존 윌리엄스의 유명한 두 음 모티프는 보이지 않는 위협의 존재를 효과적으로 전달한다.

이러한 정보 전달 기능은 영화가 제한된 시간 내에 복잡한 내러티브를 효율적으로 전개할 수 있게 해준다. 특히 사운드는 이미지가 보여줄 수 없는 정보(프레임 밖의 사건, 인물의 내면, 과거 기억 등)를 전달하는 데 유용하여, 내러티브의 정보 밀도와 복잡성을 높이는 데 기여한다.

정서적 참여와 동일시: 사운드와 관객 반응

영화 사운드는 관객의 정서적 반응을 유도하고, 캐릭터와의 동일시를 촉진하는 강력한 도구다. 음악, 음향 효과, 목소리 등은 종종 이미지보다 더 직접적이고 본능적인 정서적 반응을 불러일으킨다.

정서적 톤과 분위기: 음악과 음향 디자인은 장면의 정서적 톤과 분위기를 설정한다. 존 윌리엄스의 '슈퍼맨'(1978) 스코어는 장대하고 영웅적인 정서를, 요한 요한슨의 '메신저'(2016) 스코어는 신비롭고 경이로운 분위기를 창출한다. 애플 TV+ 시리즈 '세브란스'(2022)의 불안하고 기계적인 사운드 디자인은 작품의 전반적인 소외감과 불안감을 강화한다.

감정적 궤적과 고조: 사운드는 내러티브의 감정적 궤적과 고조를 청각적으로 구현한다. 한스 짐머의 '인터스텔라'(2014) 스코어는 내러티브의 정서적 변화에 따라 친밀한 피아노 선율에서 장대한 오르간 사운드로 발전한다. 데이미언 셔젤의 '위플래쉬'(2014)에서 드럼 연주의 강도와 템포 변화는 주인공의 정서적 여정과 내적 투쟁을 반영한다.

주관적 경험과 내면성: 사운드는 종종 캐릭터의 주관적 경험과 내면 상태를 표현한다. 스카이워커 사운드의 '인사이드 아웃'(2015) 사운드 디자인은 주인공 라일리의 감정적 혼란을 청각적으로 구현한다. 데이빗 린치의 '인랜드 엠파이어'의 왜곡되고 불안한 사운드스케이프는 주인공의 정신적 붕괴와 정체성 혼란을 반영한다.

사운드를 통한 정서적 참여는 영화의 몰입감을 높이고, 관객이 캐릭터와 정서적으로 연결되도록 돕는다. 특히 서스펜스, 공포, 기쁨, 슬픔 등 강한 감정적 반응을 요구하는 장면에서, 사운드는 종종 이미지보다 더 직접적이고 강력한 정서적 효과를 발휘한다.

주제적 발전과 상징: 청각적 모티프와 은유

영화 사운드는 단순한 내러티브 정보나 감정적 효과를 넘어, 영화의 주제적 의미와 상징적 차원을 발전시키는 중요한 수단이다. 특히 반복되는 청각적 모티프, 음향적 은유, 소리의 상징적 사용 등은 영화의 심층적 의미를 구현하고 강화한다.

청각적 라이트모티프: 특정 인물, 상황, 주제와 연관된 반복적인 사운드 모티프는 영화의 주제적 구조를 강화한다. 리하르트 바그너의 오페라에서 영감을 받은 이 접근법은 현대 영화에서도 광범위하게 활용된다. 존 윌리엄스의 '스타워즈' 스코어에서 각 캐릭터와 세력에 할당된 고유한 음악적 주제들, 하워드 쇼어의 '반지의 제왕' 스코어에서 다양한 종족과 장소에 연결된 모티프들이 대표적인 예다.

소리의 상징적 사용: 특정 소리는 문자 그대로의 의미를 넘어 상징적 의미를 갖는다. 테렌스 맬릭의 '트리 오브 라이프'(2011)에서 자연 소리(물, 바람, 새 등)는 우주적 생명력과 신성을 상징한다. 다렌 아로노프스키의 '레퀴엠 포 어 드림'(2000)에서 약물 투여 과정의 증폭된 기계적 소리는 중독의 비인간화 효과를 상징한다.

청각적 대비와 병렬: 서로 다른 소리의 대비나 병렬은 종종 주제적 대조나 충돌을 표현한다. 스탠리 큐브릭의 '시계태엽 오렌지'에서 베토벤의 '환희의 송가'와 폭력적 이미지의 대비는 문화와 폭력 사이의 모순적 관계를 암시한다. 프랜시스 포드 코펠라의 '지옥의 묵시록'의 오프닝에서 도어스의 'The End'와 베트남 정글 폭격 이미지의 결합은 미국 문화와 전쟁의 불길한 연결을 상징한다.

이러한 주제적·상징적 사용은 영화가 단순한 서사적 내용을 넘어, 보다 복잡하고 다층적인 의미를 전달할 수 있게 해준다. 특히 철학적, 형이상학적, 심리적 주제를 다루는 예술 영화들에서, 사운드의 상징적 차원은 종종 내러티브의 표면적 의미를 넘어선 심층적 의미 층위를 창출한다.

목소리와 언어: 대사와 내레이션의 음향학

영화에서 목소리와 언어는 가장 명시적인 의미 전달의 수단이면서도, 동시에 복잡한 음향적·표현적 차원을 가진 사운드 요소다. 목소리의 음색, 억양, 리듬, 볼륨 등 언어적 의미를 넘어선 음향적 특성은 영화 경험의 중요한 부분을 구성한다.

목소리의 물질성과 현존감

영화 이론가 미셸 시옹은 목소리가 단순한 의미 전달 수단을 넘어, 고유한 물질성과 현존감을 가진 음향적 현상임을 강조한다. 목소리의 이러한 물질적 차원은 영화 경험의 감각적·정서적 측면에 중요한 영향을 미친다.

음색과 텍스처: 배우의 목소리 음색과 텍스처는 캐릭터의 정체성과 성격을 정의하는 중요한 요소다. 제임스 얼 존스의 저음의 공명하는 목소리는 '스타워즈'의 다스 베이더에게 권위와 위협의 아우라를, 스칼렛 요한슨의 허스키한 목소리는 '그녀'(2013)에서 AI 캐릭터 사만다에게 감각적 친밀감을 부여한다.

억양과 리듬: 대사 전달의 억양, 템포, 리듬은 캐릭터의 감정 상태, 사회적 배경, 문화적 정체성을 표현한다. 마틴 스콜세지의 '좋은 친구들'(1990)에서 조 페시의 빠르고 리듬감 있는 대사는 캐릭터의 신경질적 에너지와 도시적 감수성을 강화한다. 이르마 벱의 느리고 신중한 말투는 '파고'(1996)에서 미네소타 소도시의 여유로운 생활 방식을 체현한다.

공간과 거리감: 목소리의 녹음과 믹싱 방식은 공간감과 친밀도를 조절하는 중요한 수단이다. 클로즈 마이킹(close-miking)은 속삭임처럼 친밀한 느낌을 주고, 거리를 둔 녹음은 소외나 분리감을 암시할 수 있다. 소피아 코폴라의 '버진 수이사이드'(1999)는 종종 소녀들의 목소리를 멀리서 녹음하여 그들의 접근 불가능한 내면 세계를 암시한다.

목소리의 물질성에 대한 관심은 단순한 기술적 문제가 아니라, 영화 매체의 감각적·현상학적 차원을 인식하는 이론적 관점의 일부다. 이는 영화가 단순한 시각적 스펙터클이나 내러티브 전달 수단이 아니라, 목소리, 소리, 음악 등 다양한 감각적 요소들이 복합적으로 작용하는 총체적 경험임을 강조한다.

보이스오버와 내레이션: 목소리의 권위와 시점

보이스오버와 내레이션은 영화에서 목소리의 독특한 사용 방식으로, 내러티브 구조, 시점, 서술적 권위 등에 중요한 영향을 미친다. 이는 단순한 정보 전달을 넘어, 영화의 서술적 구조와 관객과의 관계를 형성하는 핵심적 요소다.

서술적 권위와 신뢰성: 내레이터의 목소리는 종종 서술적 권위와 신뢰성의 원천으로 기능한다. 모건 프리먼의 권위 있는 목소리는 많은 다큐멘터리와 영화에서 객관적 진실의 담지자로 활용된다. 반면, 테리 길리엄의 '두려움과 혐오의 라스베가스'(1998)의 내레이션은 약물에 취한 화자의 비신뢰성을 강조하여 영화의 혼란스럽고 왜곡된 현실 인식을 강화한다.

내적 독백과 주관성: 보이스오버는 종종 캐릭터의 내적 사고와 감정에 직접적 접근을 제공한다. 테렌스 맬릭의 영화들은 시적이고 철학적인 내적 독백을 통해 캐릭터의 의식의 흐름과 형이상학적 질문을 탐구한다. 마틴 스콜세지의 '택시 드라이버'는 트래비스의 내적 독백을 통해 그의 점진적 정신적 붕괴와 소외를 표현한다.

시간적 거리와 회상: 보이스오버는 종종 시간적 거리와 회상의 관점을 제공한다. 빌리 와일더의 '선셋 대로'(1950)는 죽은 인물의 보이스오버로 시작하여 영화의 운명론적 성격을 강화한다. 우디 앨런의 '애니 홀'(1977)은 회상적 내레이션을 통해 관계의 시작과 끝을 동시에 조망하는 복합적 시간 인식을 가능하게 한다.

보이스오버와 내레이션의 사용은 영화의 내러티브 구조와 관객과의 관계를 결정하는 중요한 미학적 선택이다. 이는 특히 복잡한 시간 구조, 주관적 인식, 서사적 신뢰성 등의 문제를 탐구하는 영화에서 강력한 표현 수단으로 기능한다.

다언어적 텍스트: 번역과 이해 불가능성

글로벌 영화 제작과 유통의 증가로, 다양한 언어가 혼합된 영화들이 점점 더 흔해지고 있다. 이러한 다언어적 텍스트에서 언어 간 번역, 소통, 때로는 의도적인 이해 불가능성은 중요한 내러티브적·주제적 차원을 구성한다.

번역과 자막: 자막과 더빙은 언어적 경계를 넘어선 영화 수용을 가능하게 하지만, 동시에 원어의 음향적·문화적 뉘앙스를 부분적으로 손실시킨다. 봉준호의 '기생충'은 한국어 대사의 문화적·계급적 뉘앙스가 영어 자막에서 부분적으로만 전달되는 예다. 페드로 알모도바르의 스페인어 영화들에서 특유의 빠르고 감정적인 대화 리듬은 자막이나 더빙에서 온전히 재현되기 어렵다.

언어 간 소통과 오해: 다언어적 영화에서 언어 간 소통과 오해는 종종 중요한 내러티브 동력이 된다. 소피아 코폴라의 '로스트 인 트랜슬레이션'은 일본에서의 언어적·문화적 소외감을 중심 주제로 삼는다. 알레한드로 곤잘레스 이냐리투의 '바벨'(2006)은 언어적 단절과 오해가 가져오는 비극적 결과를 탐구한다.

의도적 이해 불가능성: 일부 영화는 특정 언어나 대화를 의도적으로 번역하지 않음으로써, 관객이 캐릭터의 소외감이나 혼란을 직접 경험하도록 한다. 프란시스 포드 코펠라의 '지옥의 묵시록'에서 베트남어와 크메르어 대화 중 일부는 번역되지 않아 미군 캐릭터의 문화적 소외감을 관객도 공유하게 된다. 데니 빌뇌브의 '메신저'에서 외계 언어의 이해 과정은 영화의 중심 주제로, 관객은 주인공과 함께 점진적 이해의 과정을 경험한다.

다언어적 영화의 증가는 단순한 산업적 현상을 넘어, 글로벌 시대의 문화적 교류, 충돌, 혼종화를 반영하는 중요한 영화적 발전이다. 특히 초국적 이주, 디아스포라, 글로벌라이제이션 등의 주제를 다루는 현대 영화에서, 언어의 복수성과 번역의 정치학은 중요한 표현적·주제적 차원으로 부상하고 있다.

영화 사운드와 관객 경험: 청각적 몰입과 정서적 효과

영화 사운드는 단순히 스크린에서 일어나는 사건을 전달하는 것을 넘어, 관객의 신체적·정서적 경험을 직접적으로 형성하는 강력한 요소다. 특히 현대 영화에서 점점 더 정교해지는 사운드 시스템과 기술은 관객 경험의 청각적 차원을 크게 강화하고 있다.

신체적 반응과 감각적 몰입

영화 사운드는 종종 관객의 직접적인 신체적 반응을 유발하고, 감각적 몰입을 촉진하는 강력한 수단이다. 특히 낮은 주파수의 베이스 사운드, 갑작스러운 큰 소리, 특정 음향 텍스처 등은 시각적 자극보다 더 직접적인 신체적 반응을 일으킨다.

신체적 공명과 촉각성: 저주파 사운드와 베이스는 종종 관객의 신체에 물리적 진동과 공명을 일으킨다. 크리스토퍼 놀란의 '인터스텔라'와 '덩케르크'의 강력한 베이스 사운드는 우주와 전쟁의 압도적 힘을 신체적으로 전달한다. 가스파 노에의 '엔터 더 보이드'(2009)는 낮은 주파수 드론 사운드로 불안하고 압박감 있는 신체적 경험을 창출한다.

다감각적 경험과 공감각: 사운드는 종종 다른 감각적 경험(촉각, 운동감, 심지어 미각)을 연상시키는 공감각적 반응을 유발한다. 박찬욱의 '올드보이'(2003)에서 산 문어를 먹는 장면의 생생한 사운드는 관객에게 촉각적·미각적 반응을 유발한다. 알폰소 쿠아론의 '중력'(2013)에서 우주 공간의 진동과 소리의 부재는 무중력 상태의 운동감각적 경험을 강화한다.

공간적 몰입과 둘러싸임: 현대 서라운드 사운드 시스템은 관객을 소리로 둘러싸서 영화 공간에 물리적으로 존재하는 듯한 경험을 창출한다. 제임스 카메론의 '아바타'(2009)는 판도라 행성의 풍부한 사운드스케이프를 통해 이질적 환경에 대한 감각적 몰입을 강화한다. 크리스토퍼 놀란의 '던킥'에서 적기의 소리가 극장 공간을 다양한 방향으로 가로지르며 전쟁의 공포를 물리적으로 전달한다.

이러한 신체적·감각적 차원은 영화가 단순한 시각적 관조나 내러티브 이해를 넘어, 전신체적(whole-body) 경험임을 강조한다. 특히 액션, 호러, SF, 판타지 등 장르 영화와 IMAX, 돌비 애트모스 등 몰입형 상영 형식에서, 사운드의 신체적 효과는 관객 경험의 핵심적 부분을 구성한다.

정서적 조율과 심리적 영향

영화 사운드는 관객의 정서적 상태를 직접적으로 조율하고, 심리적 반응을 유도하는 강력한 수단이다. 음악, 음향 효과, 목소리의 정서적 특성 등은 종종 무의식적 수준에서 관객의 감정과 기분에 영향을 미친다.

정서적 선행 조건: 사운드는 종종 장면의 정서적 톤을 미리 설정하여, 관객이 특정한 감정적 상태로 이미지를 인식하도록 한다. 스티븐 스필버그의 '슈가랜드 익스프레스'(1974) 오프닝에서 존 윌리엄스의 가벼운 블루그래스 스타일 음악은 이어지는 교도소 탈출 장면을 코믹하고 모험적인 톤으로 인식하게 한다. 로버트 와이즈의 '사운드 오브 뮤직'(1965) 오프닝의 웅장한 관현악 사운드는 알프스 산맥 장면의 숭고한 아름다움을 강화한다.

정서적 전염과 공감: 사운드는 종종 캐릭터의 감정 상태를 관객에게 '전염'시키는 매개체로 기능한다. 한스 짐머의 '라이온 킹'(1994) 스코어는 무파사의 죽음 장면에서 심비의 슬픔과 상실감을 관객이 직접적으로 공유하게 한다. 조니 그린우드의 '팬텀 스레드'(2017) 스코어는 주인공 레이놀즈의 내적 긴장과 강박을 청각적으로 전달하여, 관객이 그의 심리적 상태를 경험하게 한다.

서스펜스와 예상: 사운드는 종종 예상과 서스펜스를 조성하여 관객의 심리적 긴장감을 고조시킨다. 존 윌리엄스의 '죠스' 테마는 상어의 존재를 암시하면서 점진적 공포와 예상을 구축한다. 데이빗 린치의 '멀홀랜드 드라이브'에서 윙키의 식당 뒤편 장면은 저음의 불길한 드론 사운드로 점차 긴장감을 고조시킨다.

사운드의 이러한 정서적·심리적 영향력은 영화가 관객의 감정을 조작하고 안내하는 핵심적 수단이다. 특히 호러, 스릴러, 멜로드라마 등 강한 정서적 반응을 목표로 하는 장르에서, 사운드의 심리적 효과는 장르적 쾌감과 만족의 중심적 원천이 된다.

인지적 해석과 의미 구성

영화 사운드는 관객의 인지적 해석과 의미 구성에도 중요한 영향을 미친다. 사운드는 이미지의 해석을 유도하고, 내러티브 정보를 강조하며, 때로는 이미지와 사운드 간의 불일치를 통해 관객의 능동적 해석을 촉진한다.

이미지 해석의 앵커: 사운드는 종종 다의적 이미지의 해석 방향을 결정한다. 러시아 영화이론가 쿨레쇼프의 유명한 실험에서 같은 무표정한 얼굴이 다른 이미지와 병치될 때 다른 감정으로 해석되는 것처럼, 같은 이미지도 다른 사운드와 결합될 때 완전히 다른 의미로 해석될 수 있다. 예를 들어, 아이가 웃는 장면에 불길한 음악이 깔리면 그 웃음은 섬뜩하거나 불안한 것으로 해석된다.

정보 위계와 선택적 주의: 사운드는 관객의 주의를 특정 내러티브 정보나 시각적 요소로 유도한다. 증폭된 특정 소리, 갑작스러운 음악적 강조, 대화 속 특정 단어의 강조 등은 관객이 무엇에 주목하고 무엇을 중요하게 여길지 결정하는 데 영향을 미친다. 알프레드 히치콕의 '싸이코'(1960)에서 샤워 장면의 날카로운 바이올린 소리는 관객의 주의를 폭력의 충격으로 집중시킨다.

인지적 불일치와 해석적 도전: 이미지와 사운드 간의 의도적 불일치나 긴장은 관객의 능동적 해석과 비판적 사고를 촉진한다. 장 뤽 고다르의 영화들은 종종 이미지와 사운드 간의 불일치를 통해 영화 매체의 관습과 이데올로기를 비판적으로 성찰한다. 예를 들어 '남성 여성'(1966)에서 대화와 주변 소음 간의 충돌은 의사소통의 어려움과 사회적 단절을 강조한다.

영화 사운드의 인지적 차원은 관객을 수동적 수용자가 아닌, 능동적 의미 구성자로 위치시킨다. 특히 예술 영화, 실험 영화, 정치적 영화 등에서 이미지와 사운드의 복잡한 관계는 관객의 비판적 해석과 참여를 요구하는 중요한 미학적 전략이다.

디지털 시대의 영화 사운드: 기술적 변화와 미학적 가능성

디지털 기술의 발전은 영화 사운드의 녹음, 편집, 믹싱, 재생 방식에 혁명적 변화를 가져왔다. 이러한 기술적 변화는 단순한 기술적 진보를 넘어, 영화 사운드의 미학적 가능성과 표현적 범위를 확장하는 계기가 되었다.

디지털 사운드 기술의 발전

1990년대부터 본격화된 디지털 사운드 기술의 발전은 영화 사운드의 모든 측면에 근본적 변화를 가져왔다. 이러한 기술적 발전은 영화 제작과 관람 경험의 청각적 차원을 풍부하게 변화시켰다.

녹음과 후처리: 디지털 녹음 기술은 높은 해상도와 낮은 노이즈의 음향 캡처를 가능하게 했다. 이는 특히 미묘한 환경음, 작은 소리의 질감, 복잡한 음향 텍스처 등을 포착하는 데 중요한 발전이었다. 또한 디지털 오디오 워크스테이션(DAW)의 발전은 사운드의 정교한 편집, 조작, 합성을 가능하게 했다. 예를 들어, 벤 버트의 '매트릭스' 사운드 디자인은 디지털 신디사이저, 샘플링, 사운드 처리 소프트웨어를 활용해 미래 세계의 독특한 음향적 정체성을 창조했다.

서라운드 사운드와 이머시브 오디오: 돌비 디지털, DTS, 그리고 최근의 돌비 애트모스와 같은 이머시브 오디오 기술은 극장 음향의 공간적 차원을 크게 확장했다. 이는 관객을 둘러싸는 다차원적 사운드 환경을 구현함으로써, 보다 몰입적인 영화 경험을 가능하게 했다. 크리스토퍼 놀란의 '인터스텔라'와 '덩케르크', 알폰소 쿠아론의 '그래비티'와 '로마'(2018)는 이러한 이머시브 사운드 시스템의 표현적 가능성을 탐구한 대표적 작품들이다.

가상 음향과 시뮬레이션: 디지털 기술은 실제로 녹음하기 어렵거나 불가능한 소리를 가상으로 생성하고 시뮬레이션하는 가능성을 확장했다. 특히 SF, 판타지, 초자연적 장르에서 가상 음향의 창조는 중요한 미학적 도전이자 기회가 되었다. 벤 버트와 리차드 킹의 '인셉션' 사운드 디자인은 꿈과 현실의 경계, 시간의 왜곡, 건물 붕괴 등 비현실적 현상의 음향적 표현을 위해 디지털 합성과 처리 기술을 창의적으로 활용했다.

이러한 디지털 사운드 기술의 발전은 영화 사운드의 표현적 범위와 복잡성을 크게 확장했다. 그러나 이 기술적 발전의 진정한 중요성은 단순한 기술적 우월성이 아니라, 그것이 가능하게 한 새로운 미학적 가능성과 창의적 표현에 있다.

몰입과 내재성: 현대 영화 사운드의 미학적 특성

디지털 기술의 발전과 함께, 현대 영화 사운드는 몇 가지 주요한 미학적 특성과 경향을 발전시켜왔다. 특히 몰입성, 내재성, 복합적 공간 구성 등의 특성은 현대 영화 사운드를 이전 시대와 구별짓는 중요한 미학적 markers이다.

몰입적 사운드스케이프: 현대 영화는 종종 관객을 완전히 둘러싸는 풍부하고 다층적인 사운드스케이프를 구축한다. 이는 단순히 이미지를 보조하는 것이 아니라, 관객을 감각적·정서적으로 영화 세계에 완전히 몰입시키는 독자적 차원으로 기능한다. 데니 빌뇌브의 '듄'은 아라키스 행성의 모래, 바람, 거대 웜의 소리를 통해 이질적이면서도 강렬하게 매혹적인 사운드스케이프를 창조한다. 린 램지의 '위 니드 투 토크 어바웃 케빈'(2011)은 생활 속 일상적 소리들을 불안하고 위협적인 사운드스케이프로 변형시켜 주인공의 심리적 상태를 표현한다.

사운드의 내재성: 현대 영화 사운드는 종종 전통적인 다이제틱/논다이제틱 구분을 넘어, 캐릭터의 주관적 경험과 객관적 현실 사이의 경계를 흐리는 '내재적'(embedded) 특성을 보인다. 이는 사운드가 단순히 이야기 세계를 재현하는 것이 아니라, 캐릭터의 지각과 의식을 통해 필터링되고 변형되는 방식을 의미한다. 데런 애로노프스키의 '블랙 스완'은 주인공의 정신적 불안정성이 심화됨에 따라 현실 소리가 점차 왜곡되고 환각적 소리와 혼합되는 과정을 통해 그녀의 심리적 붕괴를 표현한다. 조너선 글레이저의 '언더 더 스킨'(2013)은 에일리언 캐릭터의 이질적 인식을 통해 일상적 소리(대화, TV 소리, 해변 소음 등)를 낯설고 비인간적인 방식으로 재구성한다.

복합적 공간 구성: 현대 영화 사운드는 종종 다중적이고 중첩된 공간 구성을 창출한다. 이는 단순히 화면에 보이는 공간을 청각적으로 재현하는 것이 아니라, 여러 층위의 공간적 관계와 전이를 창조하는 것이다. 크리스토퍼 놀란의 '인셉션'은 여러 꿈의 층위를 서로 다른 음향적 특성으로 구분하면서도, 동시에 이들 사이의 연결과 침투를 사운드 교차를 통해 표현한다. 봉준호의 '기생충'은 부유한 박 가족의 집과 가난한 김 가족의 반지하 공간을 뚜렷이 다른 음향적 특성(반향, 음질, 환경음)으로 대비시키며 계급적 공간 분리를 강조한다.

이러한 현대 영화 사운드의 미학적 특성은 단순히 기술적 발전의 결과가 아니라, 영화 매체의 감각적·표현적 가능성에 대한 보다 복합적이고 정교한 이해를 반영한다. 특히 감독, 사운드 디자이너, 작곡가 등 영화 창작자들이 사운드의 미학적 잠재력을 보다 적극적으로 탐구하면서, 현대 영화에서 사운드는 점점 더 중심적이고 자율적인 표현 차원으로 인정받고 있다.

디지털 배포와 가정 시청: 사운드 경험의 민주화와 제약

디지털 기술은 영화 제작뿐만 아니라, 배포와 시청 방식에도 근본적 변화를 가져왔다. 특히 스트리밍 서비스의 부상과 홈 시어터 시스템의 보급은 영화 사운드 경험의 민주화와 함께, 새로운 제약과 도전도 가져왔다.

홈 시어터와 개인화된 음향 경험: 돌비 디지털, DTS 등 고품질 서라운드 사운드 시스템의 가정 보급은 예전에는 극장에서만 가능했던 몰입적 사운드 경험을 일반 관객들에게 제공했다. 특히 '홈 시어터' 시스템의 발전은 영화 감상의 청각적 품질에 대한 관객 기대치를 높이고, 사운드를 영화 경험의 중요한 부분으로 인식하게 했다. 넷플릭스의 '로마'와 같은 작품은 홈 시어터 환경에서도 정교한 서라운드 사운드 경험을 제공하기 위해 돌비 애트모스 믹스를 포함했다.

모바일 시청과 헤드폰 경험: 스마트폰, 태블릿 등 모바일 기기를 통한 영화 시청이 증가하면서, 헤드폰을 통한 영화 사운드 경험이 보편화되었다. 이는 공간적 몰입감은 제한되지만, 오히려 친밀하고 개인화된 사운드 경험을 가능하게 했다. 특히 바이노럴 레코딩과 같은 기술은 헤드폰을 통해서도 3D 공간감을 구현할 수 있게 발전했다. HBO의 '체르노빌'(2019) 시리즈는 헤드폰 청취를 고려한 섬세한 사운드 디자인으로, 방사능 재앙의 불안한 음향적 세계를 친밀하게 전달한다.

플랫폼 간 표준화와 다양성: 디지털 배포의 증가는 다양한 시청 환경(극장, 홈 시어터, TV, 모바일 기기 등)에 맞춘 사운드 믹스의 표준화 문제를 제기했다. 특히 대사의 명료성, 다이내믹 레인지, 베이스 수준 등은 시청 환경에 따라 다르게 경험될 수 있다. 크리스토퍼 놀란의 '테넷'(2020)은 대사와 음향 효과 간의 극단적 다이내믹 레인지로 인해, 많은 가정 시청자들이 대사 이해에 어려움을 겪었다는 논란을 일으켰다.

디지털 배포와 다양한 시청 환경의 확산은 영화 사운드의 접근성과 민주화를 촉진했지만, 동시에 창작자들에게 다양한 플랫폼과 시청 조건을 고려한 사운드 디자인의 도전을 제기했다. 이는 '이상적인' 단일 사운드 경험이 아니라, 다양한 맥락과 환경에 적응할 수 있는 유연하고 중층적인 사운드 디자인에 대한 관심으로 이어지고 있다.

사례 연구: 혁신적 영화 사운드의 실천과 분석

영화 사운드의 이론적 개념과 실천적 전략을 보다 구체적으로 이해하기 위해, 사운드를 창의적이고 혁신적으로 활용한 몇 가지 대표적 영화 사례를 분석해보자. 이들 작품은 각각 다른 방식으로 사운드의 표현적 가능성을 확장하고, 영화 경험의 청각적 차원을 풍부하게 발전시켰다.

'지옥의 묵시록'(1979): 음향 몽타주와 심리적 여정

프랜시스 포드 코펠라의 '지옥의 묵시록'은 사운드 편집과 믹싱의 혁신적 가능성을 탐구한 대표적 작품이다. 월터 머치의 획기적인 사운드 디자인은 베트남 전쟁의 물리적·심리적 현실을 강렬하게 표현하며, '사운드 디자인'이라는 용어 자체를 영화 산업에 도입하는 계기가 되었다.

헬리콥터와 음악의 융합: 영화의 유명한 오프닝 시퀀스는 헬리콥터 소리와 도어스의 'The End'가 서서히 융합되면서 시작된다. 이 사운드 몽타주는 단순한 배경 음악이 아니라, 주인공 윌라드의 외상후 스트레스와 환각적 의식 상태를 표현하는 주관적 사운드다. 헬리콥터 블레이드 소리와 음악의 리듬이 점차 동기화되면서, 전쟁의 기계적 폭력과 사이키델릭한 문화적 맥락이 불길하게 결합된다.

공간적 사운드 전략: 영화는 베트남 정글의 청각적 공간을 다층적으로 구성한다. 가까운 곳의 선명한 소리(대화, 발자국)와 멀리서 들려오는 전투 소음, 그리고 정글의 지속적인 배경 소리(곤충, 새, 바람)가 복잡하게 층층이 쌓인 사운드스케이프를 형성한다. 특히 영화가 진행됨에 따라 '문명'의 소리(라디오, 엔진)가 점차 원시적이고 의식적인 소리(북소리, 구호)로 대체되는 과정은 주인공의 심리적 여정을 청각적으로 표현한다.

주관적 사운드와 내면화: '지옥의 묵시록'은 객관적 현실 사운드와 주관적 경험 사운드 사이의 경계를 지속적으로 흐린다. 특히 쿠르츠 대령의 캠프에 가까워질수록, 사운드는 점점 더 왜곡되고 비현실적이 되면서 윌라드의 정신적 붕괴와 도덕적 경계의 해체를 표현한다. 쿠르츠의 저음의 독백은 때로는 다이제틱, 때로는 논다이제틱으로 들리며, 그의 목소리가 윌라드의 의식을 침투하고 있음을 암시한다.

'지옥의 묵시록'의 사운드 디자인은 단순히 이야기를 보조하는 역할을 넘어, 영화의 중심적 표현 수단이자 주제적 차원으로 기능한다. 특히 전쟁의 심리적·존재적 공포를 청각적으로 구현하는 방식은, 이후 많은 전쟁 영화와 심리적 스릴러에 지대한 영향을 미쳤다.

'스토커'(1979): 청각적 질감과 형이상학적 공간

안드레이 타르코프스키의 '스토커'는 영화 사운드의 질감적, 공간적, 형이상학적 가능성을 탐구한 대표적 작품이다. 영화는 시각적 이미지보다 때로 더 정교하고 복잡한 사운드스케이프를 통해, '존'이라는 미스터리한 공간의 특성과 인물들의 내적 여정을 표현한다.

음향적 질감과 물질성: '스토커'는 소리의 물리적 질감과 물질성에 특별한 주의를 기울인다. 물방울 떨어지는 소리, 금속 파편을 밟는 소리, 바람과 물의 소리 등이 극도로 선명하고 구체적으로 표현되며, 이는 종종 이미지보다 더 강렬한 물질적 존재감을 만들어낸다. 특히 '존' 내부의 다양한 방과 통로마다 고유한 음향적 특성(반향, 공명, 흡수)이 부여되어, 각 공간이 살아있는 유기체처럼 느껴지게 한다.

음향적 전이와 경계: 영화는 서로 다른 공간 사이의 전이와 경계를 청각적으로 표현한다. 산업 도시에서 '존'으로의 여정은 기계적이고 딱딱한 음향에서 유동적이고 유기적인 음향으로의 점진적 전환을 통해 표현된다. 특히 탁 트인 자연 공간과 폐쇄된 인공 구조물, 물이 있는 공간과 건조한 공간 사이의 음향적 대비는 영화의 이원론적 세계관(자연/문명, 영성/물질, 자유/구속)을 청각적으로 구현한다.

청각적 시간성과 지속: '스토커'는 특유의 느리고 명상적인 리듬을 청각적으로 구현한다. 에두아르드 아르테미예프의 미니멀한 전자음악 스코어와 자연 소리가 미묘하게 혼합되면서, 일상적 시간성을 넘어선 확장된 시간 경험을 창출한다. 특히 영화 후반부의 '존' 중심부 장면에서, 비, 물방울, 금속 소리, 전자음이 혼합된 초현실적 사운드스케이프는 시간이 중첩되고 응축된 듯한 독특한 시간 경험을 만들어낸다.

'스토커'의 사운드 디자인은 단순한 현실 재현을 넘어, 보이지 않는 차원, 내면적 풍경, 형이상학적 질문을 청각적으로 탐구한다. 이는 영화 사운드가 단순한 내러티브 도구를 넘어, 독자적인 철학적·시적 표현 수단이 될 수 있음을 보여주는 중요한 사례다.

'그래비티'(2013): 공간적 몰입과 생존의 리듬

알폰소 쿠아론의 '그래비티'는 현대 디지털 사운드 기술의 표현적 가능성을 극대화한 작품이다. 특히 우주 공간의 독특한 음향적 조건(진공에서 소리가 전달되지 않음)이라는 제약을 창의적으로 활용하여, 독특한 청각적 경험을 창출한다.

접촉을 통한 소리 전달: 영화는 우주 공간에서 소리가 공기가 아닌 고체를 통해서만 전달된다는 과학적 원리를 창의적으로 활용한다. 우주 비행사 스톤이 우주선이나 다른 물체에 직접 접촉할 때만 소리를 '들을' 수 있으며, 이는 청각적 POV(주관적 시점) 사운드로 표현된다. 이러한 접근은 관객이 주인공의 제한된 청각적 경험을 직접 공유하게 함으로써, 그녀의 고립감과 취약성에 더욱 깊이 공감하게 한다.

신체화된 사운드: '그래비티'는 사운드를 통해 관객에게 강력한 신체적·운동감각적 경험을 제공한다. 특히 스티븐 프라이스의 스코어는 전통적인 서사적 음악이 아니라, 스톤의 호흡, 심장 박동, 산소 흐름 등 신체적 소리와 유기적으로 융합된 형태로 발전한다. 이는 극한 상황에서의 생존 투쟁을 단순한 시각적 스펙터클이 아닌, 강렬한 신체적·감각적 경험으로 변환한다.

공간적 사운드 디자인: 영화는 돌비 애트모스와 같은 이머시브 사운드 시스템을 최대한 활용하여, 관객을 360도 음향 환경으로 완전히 둘러싼다. 특히 카메라와 캐릭터가 우주 공간에서 끊임없이 회전하고 위치를 바꾸는 상황에서, 사운드 역시 관객 주변을 지속적으로 이동하며 방향감과 균형감을 교란한다. 이는 무중력 상태의 방향 감각 상실과 공간적 혼란을 청각적으로 구현한 것이다.

'그래비티'의 사운드 디자인은 기술적 첨단성을 넘어, 인간의 생존 본능과 고립된 개인의 내적 여정을 강렬하게 표현하는 수단이 된다. 특히 영화의 주제적 핵심인 '호흡'(생명의 근원적 리듬)이 사운드를 통해 일관되게 강조되면서, 우주의 압도적 침묵과 인간 생명의 취약한 리듬 사이의 대비가 극적으로 표현된다.

나가며: 영화 사운드의 지속적 혁신과 연구 과제

영화 사운드는 유성영화 도입 이후 거의 한 세기 동안 지속적인 기술적·미학적 혁신을 거쳐왔다. 특히 디지털 시대의 도래와 함께 영화 사운드의 가능성과 표현 범위는 그 어느 때보다 확장되었다. 이러한 발전 속에서, 영화 사운드 연구와 실천은 몇 가지 중요한 과제와 방향성을 제시한다.

학제간 연구와 인식론적 확장

영화 사운드 연구는 전통적인 영화학을 넘어, 음악학, 음향학, 심리학, 인류학, 현상학 등 다양한 학문 분야와의 교차점에서 발전하고 있다. 이러한 학제간 접근은 영화 사운드의 다차원적 특성과 효과를 보다 포괄적으로 이해하는 데 기여한다.

심리음향학(psychoacoustics)의 발전은 영화 사운드가 인간의 지각과 정서에 미치는 영향을 보다 정교하게 이해하는 데 도움을 준다. 현상학적 접근은 영화 사운드의 신체적·감각적 경험을 분석하는 새로운 틀을 제공한다. 문화인류학적 관점은 다양한 문화적·역사적 맥락에서 소리와 청취 방식의 차이를 인식하게 한다.

이러한 학제간 연구는 영화 사운드를 단순한 기술적 요소나 내러티브 도구가 아닌, 복잡한 문화적·미학적·인식론적 차원을 가진 현상으로 이해하는 데 기여한다.

기술적 혁신과 미학적 가능성

영화 사운드 기술은 계속해서 발전하고 있으며, 이는 새로운 미학적 가능성을 열어준다. 특히 공간 오디오, 객체 기반 사운드, 인터랙티브 오디오 등의 새로운 기술은 영화 사운드의 표현 범위를 더욱 확장시킬 것으로 예상된다.

돌비 애트모스, MPEG-H, 소니 360 Reality Audio 등의 이머시브 오디오 기술은 보다 정교하고 다차원적인 사운드 공간 구성을 가능하게 한다. VR, AR, 인터랙티브 미디어에서의 사운드는 관객/사용자의 위치와 움직임에 반응하는 동적인 사운드스케이프를 구현한다. AI와 머신 러닝 기술은 사운드 생성, 처리, 믹싱의 새로운 가능성을 제시한다.

이러한 기술적 발전이 중요한 것은 단순한 기술적 우월성 때문이 아니라, 그것이 가능하게 하는 새로운 표현적·경험적 차원 때문이다. 특히 몰입감, 현존감, 상호작용성 등이 강화된 미래 영화 형식에서, 사운드는 더욱 중심적이고 자율적인 표현 차원으로 발전할 가능성이 크다.

글로벌 사운드스케이프와 청취 문화

영화가 글로벌 미디어로 발전함에 따라, 다양한 문화적 전통과 청취 방식을 반영한 영화 사운드에 대한 관심도 증가하고 있다. 이는 서구 중심적 사운드 관습과 기준을 넘어, 보다 다원적이고 문화적으로 다양한 영화 사운드 실천과 이론을 발전시키는 계기가 된다.

예를 들어, 발리우드 영화의 음악과 사운드 사용은 서구 영화와는 다른 미학적 전통과 관객 기대를 반영한다. 일본 영화의 '마'(間, 침묵과 공간 사이의 간격)에 대한 강조는 소리 못지않게 침묵의 미학적 가치를 인식하게 한다. 아프리카 영화의 구술 전통과 공동체적 소리 경험은 서구의 개인화된 청취 모델과는 다른 접근을 제시한다.

이러한 다양한 문화적 전통과 실천에 대한 인식은 영화 사운드의 보편적 '규범'이나 '최선의 실천'이 아니라, 다양한 문화적·역사적 맥락에 뿌리를 둔 복수의 사운드 미학과 청취 방식의 가능성을 열어준다.

영화 사운드는 기술, 미학, 문화가 교차하는 역동적인 영역으로, 끊임없이 진화하고 확장되고 있다. 다이제틱/논다이제틱 사운드의 기본 개념에서 출발하여, 음향 몽타주, 공간화, 청각적 지속성 등의 복잡한 사운드 전략에 이르기까지, 영화 사운드는 단순한 보조적 요소가 아니라 영화 경험의 핵심적 차원을 구성한다. 특히 디지털 시대의 기술적·미학적 혁신은 영화 사운드의 표현적 가능성을 더욱 확장하고 있으며, 영화 사운드에 대한 이론적·비평적 관심 역시 그 어느 때보다 활발하다.

미셸 시옹이 지적했듯이, 영화는 결코 '보는' 매체만이 아니라 '보고 듣는' 매체, 즉 '오디오-비전'(audio-vision)이다. 영화 사운드에 대한 깊이 있는 이해와 감상은 영화 경험의 풍부함과 복잡성을 더욱 깊이 인식하고 향유할 수 있게 해준다. 앞으로도 영화 사운드는 기술적 혁신, 미학적 실험, 문화적 다양성의 지속적인 상호작용 속에서, 영화 예술의 표현적 지평을 계속해서 확장해 나갈 것이다.